Samuel John Peploe (1871-1935) należy do malarzy, którzy wprowadzili nowoczesną wrażliwość do sztuki szkockiej początku XX wieku. Związany z grupą, którą później określono mianem Scottish Colourists, poświęcił swoją karierę cierpliwej pracy nad kolorem, światłem i budowaniem przestrzeni. Martwe natury z różami, pejzaże wybrzeża francuskiego czy wyspy Iona: jego twórczość świadczy o nieustannej dyscyplinie formalnej, czerpiącej z malarstwa francuskiego jego czasów, lecz nigdy nierezygnującej z własnej tożsamości. Ten artykuł proponuje prześledzenie jego drogi i naświetlenie tego, co jeszcze dziś sprawia, że jego malarstwo jest natychmiast rozpoznawalne.
Szkocki malarz na przełomie nowoczesności
Urodzony w Edynburgu w 1871 roku, Peploe kształci się najpierw w rodzinnym mieście, między innymi przy szkockich instytucjach artystycznych, zanim udaje się do Paryża, by dopełnić swą naukę. Francuska stolica, gdzie uczęszcza do wolnych akademii, daje mu bezpośredni kontakt z tradycją malarską, którą głęboko podziwia. Jego wczesne dzieła noszą znamię tego odkrycia: portrety i martwe natury są w nich traktowane w ciemnej gamie barw, szerokim i pewnym pociągnięciem pędzla, które wiele zawdzięcza przykładowi Maneta oraz dawnym mistrzom, których studiuje w muzeach.
Na tym etapie Peploe często pracuje na neutralnym lub ciemnym tle, wydobywając swoje motywy ze starannie modulowanego półmroku. Wirtuozeria pędzla, szczerość gestu i wyczucie kontrastu charakteryzują ten okres. Można w nim już dostrzec artystę uważnego na organizację płótna, zajętego mniej anegdotą niż trafnością współbrzmienia tonów. Ta rygorystyczność nigdy go nie opuści, nawet gdy jego paleta otworzy się na barwy bardziej żywe.
Z Paryża ku kolorowi: kształtowanie spojrzenia
Przedłużony pobyt Peploe w Paryżu, około roku 1910, wyznacza decydujący zwrot. Miasto jest wówczas ogniskiem najbardziej zaawansowanych poszukiwań, a malarz z bliska obserwuje w nim rozwój malarstwa postimpresjonistycznego i fowistycznego. Kontakt z tymi nurtami przeobraża jego sposób malowania: paleta się rozjaśnia, kolory zyskują na intensywności, a budowa formy staje się wyraźniejsza. Przykład Cézanne'a w szczególności skłania go do pojmowania obrazu jako rygorystycznego zestawienia płaszczyzn i brył.
Ten francuski okres podsyca również jego zamiłowanie do pejzażu malowanego w plenerze. Na wybrzeżu Normandii Peploe maluje sceny nadmorskie, w których odnajdujemy jego poszukiwanie wyrazistego światła i solidnej kompozycji; dzieło takie jak Veules-les-Roses wiąże się z tymi plenerowymi kampaniami prowadzonymi z dala od pracowni. Malarz konfrontuje tu swoje rzemiosło ze zmiennymi warunkami światła, ćwiczenie, które wyostrza jego postrzeganie relacji barwnych i przygotowuje późniejsze pejzaże.
Po powrocie do Szkocji Peploe niczego z tych zdobyczy nie wypiera się. Przeciwnie, włącza je do osobistej praktyki, w której paryska nauka służy własnej wizji. To z tej syntezy narodzi się jego artystyczna dojrzałość, w latach następujących po pierwszej wojnie światowej.
Martwe natury i pejzaże: równowaga sztuki
Martwa natura zajmuje centralne miejsce w twórczości Peploe, do tego stopnia, że stanowi jej najbardziej charakterystyczny motyw. Róże, tulipany, owoce, wachlarze, szkło i draperie stają się elementami słownika, który podejmuje niestrudzenie, mniej przez powtórzenie niż przez pogłębienie. Każde płótno jest okazją do nowej równowagi: rozmieszczenie przedmiotów, napięcie między tłem a pierwszym planem, dialog barw dopełniających. Kompozycja taka jak Róże w wazonie na pomarańczowym tle ilustruje ten sposób sprawiania, by bukiet wibrował na barwnym tle, gdzie kwiat staje się pretekstem do rozważań nad formą i światłem.
Pejzaż stanowi drugą stronę jego pracy. Peploe kilkakrotnie przebywa na południu Francji, zwłaszcza w Cassis, którego śródziemnomorskie światło i surowa architektura dostarczają mu tematów na jego miarę. Kościół w Cassis należy do tego nurtu: bryły zabudowy, jasność nieba i struktura płaszczyzn są tu oddane z oszczędnością środków charakterystyczną dla jego dojrzałości. Malarz szuka tu mniej malowniczości niż szkieletu pejzażu, sposobu, w jaki kolor może organizować jego przestrzeń.
W Szkocji wyspa Iona staje się dla Peploe ulubionym motywem, który maluje w ciągu wielu lat. Plaże, skały i zmienne wody wyspy inspirują go do płócien, w których kolor pozostaje mocny i świetlisty mimo zmienności klimatu. Między Morzem Śródziemnym a Atlantykiem, między pracownią a plenerem, jego twórczość znajduje w ten sposób spójność: wszędzie jest to to samo poszukiwanie trafnego współbrzmienia między światłem, formą i barwą.
Kolorystyczne dziedzictwo
Nazwisko Peploe jest dziś nierozerwalnie związane z nazwą Scottish Colourists, grupy, która retrospektywnie skupia czterech artystów — samego Peploe, Francisa Cadella, Leslie Huntera i Johna Duncana Fergussona — mających wspólne przywiązanie do koloru i podtrzymywany dialog z malarstwem francuskim. To określenie, ukute po fakcie, oznacza mniej zorganizowaną szkołę niż pokrewieństwo zainteresowań. Przyczyniło się ono do uznania, w Szkocji i poza nią, pokolenia, które potrafiło połączyć lokalną tradycję z kontynentalną nowoczesnością.
Za życia Peploe cieszy się wsparciem uważnych marszandów, którzy uczestniczą w upowszechnianiu jego pracy i budowaniu grona kolekcjonerów. Jego reputacja, ugruntowana już w latach międzywojennych, nieustannie umacnia się od tamtej pory. Zwłaszcza jego martwe natury uchodzą za wzorce gatunku, cenione za równowagę i pewność rzemiosła.
Obecny dziś w wielkich szkockich kolekcjach publicznych oraz na rynku sztuki, Peploe pozostaje postacią nieodzowną dla każdego, kto interesuje się malarstwem brytyjskim pierwszej połowy XX wieku. Jego twórczość zachęca do cierpliwego spojrzenia, wrażliwego na niuanse barwnego współbrzmienia czy trafność kompozycji. To być może jego najtrwalsza lekcja: przypomnienie, że malarstwo, zanim stanie się tematem, jest przede wszystkim sprawą światła i miary.
Odkryj wszystkie reprodukcje obrazów Samuela Johna Peploe.
