Niewielu artystów XX wieku potrafiło tak subtelnie połączyć rygor konstrukcji z wolnością wyobraźni. Paul Klee zajmuje szczególne miejsce w historii sztuki nowoczesnej: ani całkowicie abstrakcyjny, ani nigdy czysto figuratywny, stworzył język znaków, barw i rytmów, który wciąż intryguje kolekcjonerów i miłośników sztuki. Zrozumieć jego twórczość to podążać drogą wiodącą ze Szwajcarii do Niemiec, od muzyki do malarstwa oraz od najbardziej wymagającej teorii do najdelikatniejszej poezji. Ten artykuł proponuje rzeczowe i udokumentowane spojrzenie na jego drogę oraz kilka jego najważniejszych dokonań.
U źródeł: Szwajcaria, muzyka i wykształcenie
Paul Klee urodził się 18 grudnia 1879 roku w Münchenbuchsee, niedaleko Berna, w rodzinie, w której muzyka odgrywała centralną rolę: jego ojciec był nauczycielem muzyki, a matka śpiewaczką z wykształcenia. On sam stał się utalentowanym skrzypkiem, a ta muzyczna kultura trwale przeniknęła jego pojmowanie sztuki — wrażliwe na rytm, miarę i harmonię barw tak samo jak na harmonię dźwięków. Ten dialog między sztukami pozostanie jedną z najbardziej stałych cech jego twórczej postawy.
Po studiach w Akademii Sztuk Pięknych w Monachium, gdzie pracował między innymi w pracowni Franza von Stucka, Klee uzupełnił swoje wykształcenie o rysunek i grafikę — dziedziny, w których najpierw celował. Podróż do Włoch skonfrontowała go z dawnymi mistrzami, podczas gdy jego pierwsze lata pracy naznaczone były precyzyjną sztuką graficzną, często zabarwioną ironią. Barwa natomiast długo pozostawała dla niego zdobyczą wciąż nieosiągniętą, obszarem, do którego podchodził z ostrożnością, zanim uczynił z niej sedno swojej twórczości.
Odkrycie barwy i krąg Blaue Reiter
Na początku lat dziesiątych XX wieku, mieszkając w Monachium, Klee zbliżył się do grupy Blaue Reiter, kierowanej przez Wassilego Kandinsky'ego i Franza Marca. To środowisko, otwarte na eksperymenty oraz wymianę między malarstwem, muzyką i teorią, odegrało decydującą rolę w jego rozwoju. Klee obcował tam z artystami, którzy podobnie jak on dążyli do przekroczenia zwykłego przedstawienia, aby osiągnąć bardziej wewnętrzny i duchowy wyraz formy.
Rok 1914 stanowił decydujący przełom. Podróż, którą odbył do Tunezji w towarzystwie malarzy Augusta Mackego i Louisa Moilliet, objawiła mu potęgę światła i barwy. To z tego doświadczenia zrodziła się jego słynna formuła, zapisana w dzienniku, według której barwa odtąd go posiada i stanowi z nim jedno: rozpoznaje się wówczas w pełni jako malarz. Od tej chwili barwa przestaje być ozdobą, aby stać się zasadą porządkującą jego kompozycje, budowane z planów, przejrzystości i umiejętnie dobranych gam.
Bauhaus i myśl o formie
W 1921 roku Paul Klee dołączył do Bauhausu, szkoły założonej przez Waltera Gropiusa, najpierw w Weimarze, a następnie w Dessau. Nauczał tam u boku Kandinsky'ego i rozwijał niezwykle głęboką refleksję teoretyczną nad środkami malarskimi: linią, planem, walorem, barwą i ruchem. Jego wykłady, których część zebrano w pismach takich jak jego pedagogiczny szkicownik, świadczą o dążeniu do analizowania twórczości z rygorem nauki, nigdy nie poświęcając intuicji. To podwójne wymaganie, metodyczne i poetyckie, definiuje całą jego artystyczną dojrzałość.
To właśnie w tych latach Klee eksplorował swoje słynne siatki barw, w których zestawione kwadraty tworzą harmonie bliskie wizualnym partyturom. Dzieło zatytułowane Old Sound, powstałe w 1925 roku, należy do tej rodziny poszukiwań: szachownica przytłumionych i głębokich tonacji, która oddaje, w ciszy malarstwa, niemal muzyczny rezonans. Sam tytuł zachęca, by postrzegać płótno jako dawny akord, powściągniętą wibrację. Dzieło to jest dziś dostępne w reprodukcji, pozwalającej docenić subtelną równowagę między racjonalną konstrukcją a wrażliwością barwną.
.jpg?width=1280)
Pejzaż również zajmuje ważne miejsce w jego twórczości. Po podróży do Egiptu pod koniec lat dwudziestych XX wieku Klee namalował w 1929 roku Drogę główną i drogi boczne, w których poziome pasy przywołują uprawne pola i powolny ruch spojrzenia przez przestrzeń. Ta kompozycja oddaje sposób, w jaki artysta przekłada wrażenie natury na rytmiczną strukturę, gdzie geometryczny porządek nabiera kontemplacyjnej emocji.
Język między abstrakcją a poezją, trwałe dziedzictwo
Sztuka Paula Klee wymyka się zbyt wyraźnym klasyfikacjom. Zasilana kubizmem, chwilami bliska ekspresjonizmowi, w dialogu z rodzącym się surrealizmem, nie daje się zamknąć w żadnym z tych nurtów. Jej wyjątkowość polega na tej zdolności do łączenia znaku i barwy, humoru i powagi, dziecięcości kreski i wyrafinowania myśli. Wśród jego najczęściej komentowanych dzieł znajduje się Angelus Novus, powstałe w 1920 roku, które filozof Walter Benjamin nabył i nad którym długo rozmyślał: ta postać anioła stała się jednym z najczęściej przywoływanych obrazów kultury XX wieku.
Lata trzydzieste przyćmiły tę drogę. Napiętnowany przez reżim narodowosocjalistyczny, który zaliczył jego twórczość do „sztuki zdegenerowanej”, Klee opuścił Niemcy i wrócił do Szwajcarii, do Berna. Dotknięty chorobą, nadal jednak tworzył z niezwykłą intensywnością aż do śmierci, która nastąpiła 29 czerwca 1940 roku w Muralto. Jego ostatnie lata dały początek bardziej oszczędnemu językowi, w którym szerokie czarne znaki i zawężona paleta wyrażają medytację nad kruchością istnienia.
Wpływ Klee na późniejsze malarstwo jest ogromny, zarówno przez jego twórczość, jak i nauczanie. Jego refleksja nad linią, która „wychodzi na spacer”, oraz nad genezą form zasiliła pokolenia artystów wrażliwych na proces w takim samym stopniu jak na rezultat. Dla dzisiejszego miłośnika sztuki zetknięcie się z jego światem poprzez wybrane reprodukcje, takie jak Old Sound czy Pejzaż z pracami rzecznymi, oferuje przystępny sposób wejścia w rzadką myśl malarską, zarazem uczoną i głęboko wrażliwą. To być może właśnie tu tkwi trwała nowoczesność Paula Klee: w tym przekonaniu, że malarstwo, podobnie jak muzyka, może uczynić widzialnym to, co wymyka się słowom.
Odkryj wszystkie reprodukcje obrazów Paula Klee.
